Trafalgar Square es una de las plazas más conocidas y visitadas de Londres no solo por turistas sino también por locales. Este céntrico lugar ha sido y continúa siendo hoy en día un espacio de encuentro donde el público y sociedad ha celebrado, denunciado y expresado su opinión en incontables ocasiones incluyendo desde protestas a favor de la paz y en contra de las armas nucleares en 1961, hasta los eventos organizados alrededor de las futuras Olimpiadas en Londres 2012 anunciadas en el año 2005.
La plaza en cuestión, de aspecto monumental, está compuesta por tres fuentes de gran tamaño, la columna del Almirante Horatio Nelson flanqueada por cuatro leones, la famosa National Gallery – contenedora de la colección nacional de arte de los siglos XIV al XIX - y cuatro grandes pedestales, tres de ellos ocupados por estatuas conmemorativas construidas entre 1840 y 1860. Por falta de fondos, el cuarto pilar ha permanecido vacio e ignorado hasta el año 2005 cuando el Ayuntamiento de Londres asumió su responsabilidad inaugurando un programa de comisiones temporales de arte contemporáneo único e innovador para la historia del arte público, su fomento y su promoción. Cada 18 meses una serie de artistas pre-seleccionados por un panel de expertos en arte presentan sus propuestas al público quien debe votar por su favorito.
Cambio de Voluntario
El 6 de Julio de 2009 se lanzó al público la obra ganadora de esta cuarta edición, en esta ocasión One & Another del artista Británico Antony Gormley. Durante 100 días subirán al plinto 2.400 voluntarios; la instalación consiste en que cada uno ocupe el pedestal durante 1 hora y así sucesivamente sin parar las 24 horas del día. Tal y como dictaminó Gormely al presentar la propuesta, los voluntarios deben utilizar el espacio libremente, algo que ha dado mucho de qué hablar.
En la obra de Antony Gormely la figura humana siempre juega un papel central, esta vez reuniendo a voluntarios de todo Reino Unido escogidos al azar para crear un retrato de la diversidad del país y en concreto de las particularidades del individuo en la sociedad actual. Ésta última comisión es un proyecto diferente y arriesgado pero a su vez prometedor de cómo, a través del concurso y participación voluntaria del público, se fomenta el interés por el arte contemporáneo planteando a su vez debates de índole puramente artístico. Gormley refleja en su propia obra la multiplicidad de formas que adquiere el arte hoy en día basado en la libertad de acción y expresión. En un momento como el actual, en el que el juicio artístico puede ser dictado por cualquiera ¿estará Gormley cuestionando la noción del “todo vale” de la que goza la escena artística internacional?
La polémica ya está en las calles, y nunca mejor dicho ya que a cualquier hora del día el espectáculo se encuentra en Trafalgar Square, nadie sabe qué propósito tendrá el siguiente participante y eso eleva mucho la expectación pública, de hecho ya han habido poetas, cuenta-cuentos, combativos contra el cambio climático e incluso peticiones de matrimonio.
Sus cuadros son acrílicos enormes, con colores planos y una sencillez destilada, una geometría que entrelaza sensaciones donde la ausencia de presencia humana generan una emoción contrariada. Los pinta en un taller cerca de su casa desde donde divisa un taller (¿tal vez su inspiración?) y se considera urbana y tiene Berlín en punto de mira. La beca Francisco Zurbarán de la Consejería de Cultura le impulsó al alto nivel artístico de nuestro país convirtiéndola en un referente del arte actual.
El último trabajo de esta artista cacereña muestra vehículos que se han cruzado en sus vidas, coches casas, coches emblema, furgonetas de reparto y otras piezas móviles claves para una vida “no anclada“, una vida libre, una vida sin atadura, todo con sentimiento, coherencia y discurso. Amigos, un placer presentaros a Abigail Narvaez.
de Neil Labute
Julio Manrique ha vuelto al Espai Lliure de Barcelona con “La forma de les coses”, la adaptación del texto de Neil Labute “The shape of things”, con la que obtuvo dos premios Butaca 2008: el de Mejor Montaje de Pequeño Formato y el de Mejor Dirección Teatral.
El espectáculo ya ocupó la sala pequeña del Lliure la temporada pasada e hizo sus bolos a diversos puntos de Cataluña, pero es gracias al reconocimiento por parte de público y crítica con los premios anuales de teatro que ha podido volver a hacerse un hueco en la programación del más que prolífico escenario catalán.
“La forma de les coses” es una historia sobre amor, arte, amistad y engaño. Adam (Marc Rodríguez, pero durante unos días interpretado por Julio Manrique) es un chico solitario, feo, con poca gracia, culto, trabajador (vigilante de un museo) y acomplejado que conoce a Evelyn (Mireia Aixalà) una chica entusiasta, con iniciativa, alegre, inteligente (se está doctorando en arte), alocada y con mucho (mal)carácter. Elipsis. Evelyn y Adam son pareja. Él está en el séptimo cielo pero no entiende qué hace una chica tan fantástica y bonita con él, un pobre y feúcho Don Nadie. Pero Evelyn es plenamente feliz con el vigilante de museo, su vertiente intelectual la llena y quiere saberlo todo de él: “Per què em fas tantes preguntes?”, dice Adam, “Perquè em despertes curiositat”, contesta ella. Y parece ser que, además, la atracción no falta.
A Rosa Figuls la conocimos por una buena amiga quien nos habló de la capacidad de esta artista por condensar, a través de pinturas, collages y relieves, conceptos complicados, mundos irreales y conclusiones que tratan de esbozar el mundo en el que vivimos. Decidimos buscar info sobre ella, quedamos enamorados de sus grandes lienzos, su rojo intenso, sus palabras de periódico entre pinceladas, sus ganas de plasmar el concepto “caos” y su buena declaración de intenciones.
Descubrimos que exponía en la Galería Lleonart en Barcelona, la llamamos y hablamos con ella. El resultado, as always, todo tuyo, ¿le das al play?
Más de 150 fotos de Annie Leibovitz inundan unas salas laberínticas de National Portrait Gallery de Londres . Hay miradas que se amontonan observando, primero de lejos y luego de cerca y gente que comenta experiencias, anécdotas al reconocer a las celebrities fotografiadas y flotan sentimientos inducidos por la sinceridad cercana de alguno de sus pies de fotos. Sus instantáneas, dicen y se anuncian como la vida de una fotógrafa, pero a mi parecer, no es más que un largo prefacio de una obra que esta escalando una historia que debe regalarnos más disparos, más instantes, más emociones. Leibovitz ha sido fotógrafa de las más grandes revistas (su primer trabajo fue para Rolling Stones antes de que se licenciará en Bellas Artes, en San Francisco), de portadas de cds (ganando incluso Grammys por su buena labor) y creadora de mundos maravillosos en sus editoriales.
Pero tal como se aprecia en la galería que da la espalda a Trafalgar Square, su obra va más allá. Y es que Leibovitz vivía con su cámara en una mano, retratando a sus padres, a su gran amor (Susan Sotang) y a sus tres hijas en situaciones íntimas. Ahora lo cede, nos lo regala, nos lo brinda. Leibovitz cuenta con miradas, perfiles (estupendo el suyo mismo), situaciones donde sitúa a sus protagonistas como verdaderos ajenos a la obra final (basta mirar a Brad Pitt o a un Keith Richard casi desmayado) y posiciones tan trascendentales como la de Yoko Ono, quien no cedió a desnudarse, junto a John Lennon, quien sí posa sin nada, abrazados en posición fetal en la cama (foto tomada justo el mismo día que asesinaron a Lennon).
Joyas hechas con vidrios de botellas, figuras de cuchara-cuchillo-tenedor, muñecas de trapo e hilos de colores, colgantes de fieltro, chapas con teclas de ordenador, bolsos de tetra-bricks, ropa con telas requete-reutilizadas… todo esto, y muchísimo más, es lo que se podía encontrar en el Festival Internacional de Reciclaje Artístico organizado por Drap Art.
El evento se celebró los pasados 19, 20 y 21 de diciembre en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y contó con la presencia de muchos artistas y de un amplio público.
“Drap Art es una asociación fundada el año 1995 sin ánimo de lucro que promueve el reciclaje creativo con la organización de festivales, exposiciones y talleres”. Así se definen y así son. Los artistas que integran este movimiento re utilizan materiales en apariencia inservibles para elaborar pequeñas obras de arte.
Este año se ha celebrado la octava muestra de la disciplina creada a finales del siglo XX y que tiene como eje central el “objet trouvé”. La edición anterior contó con la presencia de ciento cincuenta artistas y recibió unas 15.000 visitas, aún estamos esperando saber el número aproximado de visitantes y exponentes del pasado fin de semana, pero seguro que roza de cerca o supera los de antaño.
Llega la novena edición del Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona de nuevo en el CCCB. Este año el BAC critica el consumo y busca rebelarse frente a la gran frase esencia, de tantas vidas “cuando más consumo, más feliz soy“. Para ello congregan a más de 70 artistas, les dan un espacio y les invitan a manifestarse. Nosotros fuimos a la inauguración, a su fiesta y paseamos por sus impactos, pero decidimos no enseñarte aquello que todos podemos ver y hacerte una simple “super recomendación“. Sino que decidimos ir antes, demostrar el trabajo que hay detrás de cada artista (Rasmus Nilausen tenía el cuerpo lleno de agujetas consecuencia de pintar durante una semana unas diez horas diarias y Rafa Gallar tuvo que venir en furgoneta desde Madrid para traer su gran interpretación del chicle de Bimbá, con lo que ello comporta). Así que hoy te dejamos con unos primeros detalles, con Inocuo cruzando el segundo piso del CCCB en bicicleta, Yisa retocando su mural sobre la sociedad post-moderna y un montón de celos, martillos, pinturas y pinceles.
El miércoles que viene será tuyo y además con sorpresa, pues te anunciamos, que por primera ver en la historia de tendencias.tv la moda se tiñe de negro, y es que frente a Réveille- toi! todo el equipo de tendencias.tv decide sumarse al carro!
El Teatre Lliure de Barcelona ofrece hasta el 14 de diciembre la obra “Jugar con un tigre”, adaptación de la novela “Play with a tiger” de Doris Lessing, premio Nobel de 2007. La traducción y dirección del texto están signados por Carlota Subirós.
Las gradas del Espai Lliure (curiosa coincidencia entre el nombre del espacio y la temática de la pieza) resguardan el cuarto de Anna Freeman. Allí se suceden divagaciones sobre el amor, la libertad dentro de una pareja, las reglas del juego del querer y del amar (a uno mismo y a los otros), los límites que se deben y/o pueden imponer, las esperanzas y expectativas que se crean y el miedo/terror/refuto/avenencia a formar parte del engranaje que la sociedad ha ideado alrededor de la familia y sus miembros. Todas las tramas y los temas que se exponen e intuyen tienen un único punto de partida y de final: la lucha. Así lo explica Subirós: “La lucha es la esencia de esta pieza, la lucha por la libertad en su forma más elemental y a la vez más contradictoria: en una relación de amor. Qué significa atarse a una persona. Qué significa ser libre dentro de una relación”.
En este único recinto se nos presentan cinco personajes que utilizan la habitación como punto de encuentro a lo largo de un día y una noche. Anna Freeman (Belén Fabra) es madre soltera y amante de Dave, tiene ideas convulsas y contradictorias sobre su vida, se muestra fuerte y débil a la vez. Mary (Anna Azcona) es una mujer liberal y soltera (si las viudas con un hijo pueden considerarse solteronas, claro) que vive con profunda tristeza la inminente boda de su único hijo. Tom (Joan Carreras) interpreta al ex prometido de Anna que intenta recuperarla, aunque su insistencia no dure más de cuatro escenas. Dave (Ernest Villegas), el amante de Anna, es un guaperas que no cree en el matrimonio ni en lo que este conlleva, aunque asegura que si tuviera que casarse con alguien sería con Anna. Harry (Albert Ribalta) da vida a un marido adúltero e infeliz que busca amor y vida lejos de las paredes de su casa. Janet (Alba Pujol) es una chica de buena familia que se planta en casa de Anna para ver a la amante del padre de su futuro hijo, Dave. Janet quiere saber dónde está su amado y refregarle a Anna que ella será quien se quede con el guapo de la obra gracias a su embarazo “no deseado”.
Continuar leyendo …
El Guggenheim de Bilbao es para sentarse enfrente, escuchar sus curvas y resbalar la mirada por sus no-esquinas. Es para adentrarse y meter mano en su colección permanente y perderse en sus colecciones temporales.Leímos que ahora tenían, hasta febrero, una exposición donde abrían las puertas de sus Instalaciones. Un arte ya establecido y donde la interactuactuación es parte de la obra. Así que subimos al norte, comimos unos pintxos y estuvimos toda una tarde viendo las instalaciones, y cómo siempre ahora es tuyo.
Aquí tienes un pedacito y en culture.tendencias.tv el resto, ¿ready?
Jueves 3 Abril 2008
7.30 pm
Sadler’s Wells Theatre - London
3 escenarios distintos. 3 trajes. 3 composiciones. 8, 6 y 6 bailarines.
Un árbol boca abajo frente a un fondo negro; una foco colgante que le va rodeando mientras ocho Ícaros se deslizan por el suelo al son de la música. Sutiles, frágiles como las alas enceradas de Ícaro que al acercarse al sol se deshacen. Wings of wax. Ellos, en pares, tríos, todos juntos o en solos se dejan iluminar por el foco que les envuelve. Se deslizan por el suelo sensualmente experimentando el proceso del movimiento. Sin prisa, lentamente, al compás de unas notas de piano estiran el muslo, luego el glúteo y finalmente los dedos del pie. Una punta perfecta, una pierna esbelta, una postura clásica impecable que es retirada con fuerza para pasar a un movimiento brusco de caderas; un constante diálogo entre las parejas. Son esculturas vivientes que entrelazan unas piernas con otras, unos brazos elásticos recogen una mano que a su vez empuja un cuello que a su vez impulsa una grand arabesque interminable. Se trata de posturas técnicamente perfectas de ballet clásico pero interpretados con una fuerza contemporánea. Una coreografía estética que eriza cualquier pelo del cuerpo y te eleva a la máxima contemplación donde tu cuerpo se ve atraído por la sincronización perfecta de los cuerpos que se rozan y se escuchan. Los movimientos verticales se rompen con las gestos orgánicos que seducen al espectador por su belleza y composición en el escenario. Un todo poético que se cuela por la retina del espectador.
