Inaugurada oficialmente en 1895 la Biennale ha ido creciendo y evolucionando sumando a su programa diferentes festivales como el de cine, arquitectura, arte, danza, música y además ahora performance y teatro que se celebran en diferentes fechas del año cada dos años. Pasados los seis meses de duración este fin de semana se clausura la 53 edición de la Exposición Internacional de Arte de la Biennale de Venecia la cual ha alcanzado números tan positivos como 359,000 visitantes desde Junio 09´.
Las exposiciones siempre se han caracterizado por tener un carácter innovador, vanguardista y cutting-edge aunque en muchas ocasiones y especialmente en estos tiempos, la crítica no siempre comparte este espíritu. Muchos achacan la falta de atención y calidad al aumento precipitado de países participantes en la muestra lo cual comporta un incremento del tiempo necesario para apreciar todo lo que uno visita; un factor que se ve a la vez agudizado por las nuevas distancias entre pabellones y otros centros de exposición instalados fuera de los tradicionalmente principales le Giardini y Arsenale. Lo cierto es que es imposible que llueva al gusto de todos pero entre la multitud, siempre hay algunos que destacan y resaltan y deben ser reconocidos por ello. En esta edición los pabellones escandinavos se han llevado algunas de las mejores críticas; dos espacios convertidos en supuestas viviendas que desprenden una gran sobriedad a su vez que un cinismo envuelto en misterio. Uno se siente intruso entrando en una casa ajena pero llena de vida reflejando el gusto y costumbres, traumas y vicios de las personas que normalmente habitaban allí. De un modo completamente distinto, el pabellón ruso también consigue despertar al público nuevas reflexiones gracias a las conocidas y reivindicativas instalaciones de sangre y petróleo de Andrei Molodkin y el peculiar y divertido humor de Gosha Ostretsov.
Este año el pabellón español se ha llenado de lienzos y cerámicas del celebradísimo artista mallorquín Miquel Barcelo; siempre mostrando diferentes texturas y formas que juegan con nuestro ojo representando el mar, el desierto y la naturaleza.
A Murakami, el artista, ya que hay quien, al escuchar el nombre primero piensa en el escritor, le tengo un amor-odio de esos que llaman la atención. Sus obras me seducen de la misma manera que sus colaboraciones con Louis Vuitton me despistan, pero igual, es exactamente esa sensación warholiana la que pretende conquistar, a base de confusión, a pequeña despistadas como yo. Un amigo, referente en muchos temas, me enseñó una camiseta que se quedó tras visitar la expo del artista japonés en el Guggenheim en Bilbao y reconozco que me abrió el gusanillo de pasear frente una de sus exposiciones. Recientemente visité su país y pensé que tal vez la casualidad haría que me encontrará su arte en alguna expo que lo ensalza a popular, en alguna galeria perdida cerca del Watari Museum que lo convirtierá, aun, en indie o presentará una “obra inédita”.
Pero más allá del ya icónico y fotográfiado mural que tiene en Takehista street resulta que me lo encontré en un lugar más cercano. Murakami aterrizó en Ibiza con una expo cuyo título y cartel promocional, parecían refererirse, por el estado de la cuestión y la rareza de su exposición en la isla Balear, a una inmobiliaría que se aferraba a un slogan fácil. Superflat y con letras minúsculas (en las que no percaté pues pensé sería la dirección donde dirigirme a buscar el super piso) New Pop Culture. Entonces, todo empezó a coger forma y sentido. La expo, lejos de lo que he podido leer de muchas otras, con una presentación rozando por los pelos lo correcto, sirvió para acercar a un público de paso (que estaba de vacaciones), a los artistas que residen en Ibiza y a despistados, el concepto como Murakami entiende el arte y su concepto de Superflatque vendría a ser el Superflat. Ese mundo plano (flat) que puede leerse, disfrutarse o “entenderse” desde cualquier punto que se mire. Así que de otra manera a la que esperaba, pero igual casi al mismo tiempo de lo previsto, me encontraba frente ese mundo que mezcla lo japonés con los mangas y el animé, el color con la imaginación y la copia, con la crítica de su misma sociedad. Al salir del Centre Sociocultural S’Alamera, en pleno Ibiza centro, me vi enfrascada en divagaciones que buscaban diferenciar las sensaciones en el observar, disfrutar, entender o “consumir” el arte en distintos lugares (un Pompidou versus el Centre Cultura s’Alamera, por ejemplo!). Pero fue al final, donde recalé en que lo importante, era, sin duda alguna, que había podido gozar de lo que quería descrubir, aunque fuera, sin ir tan lejos, como cruzando mi tierra natal.
Diseño ,arte, música, vanguardia, tendencias, cultura de diseño en sentido general, proyectos interactivos. Arte y moda atacados de una nueva manera, una mirada más amplia y multidisciplinar. Arte desde diferentes disciplinas, foto, videoarte, instalaciones, graffitii, presentaciones en localizaciones singulares y relacionadas con la cultura. Atmósferas efímeras que se transformarán mediante el espíritu creativo de sus participantes. Moda que hablará de espacios interactivos, grandes instalaciones artísticas que presentarán colecciones de otra manera: una revolución cultural en torno al diseño independiente. Un dressing room abierto al público y gratuito para mostrar el diseño emergente en el noroeste peninsular, que permite establecer una red de contactos y tener la posibilidad de comprar las propuestas de los diferentes creadores. Un festival que, desde sus inicios, nos llamá su atención. La convocatoria está abierta hasta el 15 de setiembre, así que si tienes algo que decir alza la voz y sino el festival es a finales de noviembre. Nosotros estamos pensando ir a ver qué pasa, ¿te apuntas?
La próxima instalación el Pabellón Mies van der Rohe para esta primavera será del artista Antoni Muntadas.
La obra de Antoni Muntadas (Premio Nacional de Artes Plásticas 2005 concedido por el Ministerio de Cultura y Premi Nacional d’Arts Plàstiques 1996 concedido por la Generalitat de Cataluña) conocida por abordar temas políticos, sociales y de comunicación como la relación entre el espacio público y el privado. Antoni Muntadas define su intervención en el Pabellón:
“La memoria archivada del Pabellón, y el hecho de su existencia por largo tiempo en relación al papel y a la documentación impresa, me llevó hacia la percepción del olor relacionada con el tiempo, el archivo, el espacio cerrado y la experiencia olfativa. El rol divulgativo y mediático del Pabellón, su difusión y conocimiento a través de escritos, prensa y bibliografía al respecto, que es como muchos lo conocen, me llevó a otro tipo de propuesta olfativa”.
La instalación se abrirá al público el 6 de marzo y podrá visitarse hasta el 5 de mayo
Sus cuadros son acrílicos enormes, con colores planos y una sencillez destilada, una geometría que entrelaza sensaciones donde la ausencia de presencia humana generan una emoción contrariada. Los pinta en un taller cerca de su casa desde donde divisa un taller (¿tal vez su inspiración?) y se considera urbana y tiene Berlín en punto de mira. La beca Francisco Zurbarán de la Consejería de Cultura le impulsó al alto nivel artístico de nuestro país convirtiéndola en un referente del arte actual.
El último trabajo de esta artista cacereña muestra vehículos que se han cruzado en sus vidas, coches casas, coches emblema, furgonetas de reparto y otras piezas móviles claves para una vida “no anclada“, una vida libre, una vida sin atadura, todo con sentimiento, coherencia y discurso. Amigos, un placer presentaros a Abigail Narvaez.
de Neil Labute
Julio Manrique ha vuelto al Espai Lliure de Barcelona con “La forma de les coses”, la adaptación del texto de Neil Labute “The shape of things”, con la que obtuvo dos premios Butaca 2008: el de Mejor Montaje de Pequeño Formato y el de Mejor Dirección Teatral.
El espectáculo ya ocupó la sala pequeña del Lliure la temporada pasada e hizo sus bolos a diversos puntos de Cataluña, pero es gracias al reconocimiento por parte de público y crítica con los premios anuales de teatro que ha podido volver a hacerse un hueco en la programación del más que prolífico escenario catalán.
“La forma de les coses” es una historia sobre amor, arte, amistad y engaño. Adam (Marc Rodríguez, pero durante unos días interpretado por Julio Manrique) es un chico solitario, feo, con poca gracia, culto, trabajador (vigilante de un museo) y acomplejado que conoce a Evelyn (Mireia Aixalà) una chica entusiasta, con iniciativa, alegre, inteligente (se está doctorando en arte), alocada y con mucho (mal)carácter. Elipsis. Evelyn y Adam son pareja. Él está en el séptimo cielo pero no entiende qué hace una chica tan fantástica y bonita con él, un pobre y feúcho Don Nadie. Pero Evelyn es plenamente feliz con el vigilante de museo, su vertiente intelectual la llena y quiere saberlo todo de él: “Per què em fas tantes preguntes?”, dice Adam, “Perquè em despertes curiositat”, contesta ella. Y parece ser que, además, la atracción no falta.
A Rosa Figuls la conocimos por una buena amiga quien nos habló de la capacidad de esta artista por condensar, a través de pinturas, collages y relieves, conceptos complicados, mundos irreales y conclusiones que tratan de esbozar el mundo en el que vivimos. Decidimos buscar info sobre ella, quedamos enamorados de sus grandes lienzos, su rojo intenso, sus palabras de periódico entre pinceladas, sus ganas de plasmar el concepto “caos” y su buena declaración de intenciones.
Descubrimos que exponía en la Galería Lleonart en Barcelona, la llamamos y hablamos con ella. El resultado, as always, todo tuyo, ¿le das al play?
Más de 150 fotos de Annie Leibovitz inundan unas salas laberínticas de National Portrait Gallery de Londres . Hay miradas que se amontonan observando, primero de lejos y luego de cerca y gente que comenta experiencias, anécdotas al reconocer a las celebrities fotografiadas y flotan sentimientos inducidos por la sinceridad cercana de alguno de sus pies de fotos. Sus instantáneas, dicen y se anuncian como la vida de una fotógrafa, pero a mi parecer, no es más que un largo prefacio de una obra que esta escalando una historia que debe regalarnos más disparos, más instantes, más emociones. Leibovitz ha sido fotógrafa de las más grandes revistas (su primer trabajo fue para Rolling Stones antes de que se licenciará en Bellas Artes, en San Francisco), de portadas de cds (ganando incluso Grammys por su buena labor) y creadora de mundos maravillosos en sus editoriales.
Pero tal como se aprecia en la galería que da la espalda a Trafalgar Square, su obra va más allá. Y es que Leibovitz vivía con su cámara en una mano, retratando a sus padres, a su gran amor (Susan Sotang) y a sus tres hijas en situaciones íntimas. Ahora lo cede, nos lo regala, nos lo brinda. Leibovitz cuenta con miradas, perfiles (estupendo el suyo mismo), situaciones donde sitúa a sus protagonistas como verdaderos ajenos a la obra final (basta mirar a Brad Pitt o a un Keith Richard casi desmayado) y posiciones tan trascendentales como la de Yoko Ono, quien no cedió a desnudarse, junto a John Lennon, quien sí posa sin nada, abrazados en posición fetal en la cama (foto tomada justo el mismo día que asesinaron a Lennon).
2008 ha sido el año donde pasamos de un capítulo semanal a dos, el año donde hemos conseguido que no sólo suene el teléfono del lab , sino que demás hemos logrado tener un colaborador en mayúsculas en Pamplona, dos estrellitas en Canarias, una artista en Milán y una crack en Londres .
Ha sido el año que hemos reído con Gina y hemos disfrutado con Marta, el año que hemos entrevistado dos veces a nuestro genio Mariscal (¡de mayor queremos ser como él!), hemos descubierto al inigualable Jordi Torres y hemos hablado con Giao Xingjian, premio Nobel de la Paz, con Ferran Adrià, Petz Scholtus, Paco Guzmán, con los artífices de que Future Concept Lab redefina las direcciones globales del mundo o el creador del Mejor Cava del Mundo.
2008 ha sido el año que hemos descubierto los helados de sabor a Vinagre de Módena, los papeles de pared, la posibilidad de tener un huerto urbano, lo que acontece en el mundo de la joyería, lo amable que es la gente Beefeater, lo emprendedores que son en Mérida y los secretos que esconde Cibeles y EGO. Hemos llegado al capítulo 100 y llevamos a cabo una de las primeras editoriales en movimiento, hemos customizado unas Nike exclusivas, hemos sorteado libros de Odio Barcelona y te hemos dejado pasear por ferias tan grandes como Bread&Butter (donde has estado 4 veces en el año que se cierra), Casa Decor, Expohogar o Alimentaria.
Hemos podido gozar del arte del Guggenheim, de la maravillosa obra de Basquiat, de la influencia de las Meninas más allá de Picasso, de Duchamp, Man Ray y Picabia, de lo que nos deleita el MUSAC, de las nuevas apuestas de ARCO y la genialidad de SWAB.
Ha sido el año que hemos rebuscando detalles que marcaran tendencias en el Sónar, el Summercase o el Primavera mientras en el lab oíamos lo nuevo de Mendetz, Raganath, Joe el Crepúsculo, Ndimensiones, Russian Red, The Killers o nuestra querida NME.
Esperamos que en este año tan curvilíneo, tan infinito te hayamos descubierto pequeñas grandes perlas, desde Factoría Rent Me a los bolsos tejidos con goma de neumático o te hayamos dado algunas pistas para vestir en un festival urbano o para descubrir que es “coolhunter“.
Nosotros mientras creamos sonreímos, mientras vemos apuntamos y mientras lanzamos un capítulo cruzamos los dedos para que lo recibas con la misma intensidad que ha sido concebido. Al 2009 le pedimos un par de secretos (¡ya sabes que no se puede compartir todo, todo se andará!), que nos dejes más comentarios (¡y es que el feedback da energía y consigue que todo ruede a una velocidad más a tu ritmo!) y que nos digas que te gustaría ver, oír y sentir en el año que entra. Y sobretodo que todo siga con el mismo viento con el que andamos remando y que, como hasta ahora, nos ayudes a soplar con fuerza.
Todo el equipo de tendencias.tv, como muchos capítulos atrás, vuelve a subirse a una silla (y es que aún cabemos todos en la misma), y gritamos, con fuerza y al unísono: Welcome 2009!
Joyas hechas con vidrios de botellas, figuras de cuchara-cuchillo-tenedor, muñecas de trapo e hilos de colores, colgantes de fieltro, chapas con teclas de ordenador, bolsos de tetra-bricks, ropa con telas requete-reutilizadas… todo esto, y muchísimo más, es lo que se podía encontrar en el Festival Internacional de Reciclaje Artístico organizado por Drap Art.
El evento se celebró los pasados 19, 20 y 21 de diciembre en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y contó con la presencia de muchos artistas y de un amplio público.
“Drap Art es una asociación fundada el año 1995 sin ánimo de lucro que promueve el reciclaje creativo con la organización de festivales, exposiciones y talleres”. Así se definen y así son. Los artistas que integran este movimiento re utilizan materiales en apariencia inservibles para elaborar pequeñas obras de arte.
Este año se ha celebrado la octava muestra de la disciplina creada a finales del siglo XX y que tiene como eje central el “objet trouvé”. La edición anterior contó con la presencia de ciento cincuenta artistas y recibió unas 15.000 visitas, aún estamos esperando saber el número aproximado de visitantes y exponentes del pasado fin de semana, pero seguro que roza de cerca o supera los de antaño.