Siempre pensé que las galerías escondidas dentro de un edificio eran propiedad de San Francisco. Famosas son sus exposiciones donde uno sube y baja en ascensor, donde uno entra mientras el vecino sale.
Verdad es que en Tokio proliferan los espacios de arte escondidos entre casas y edificios, más allá del pie de calle; pero es que en Japón tiendas, bares, galerias y demás curiosidades salpican edificios, plantas y azoteas.
Es entonces cuando uno cae en la cuenta que las particularidades que creemos típicas de
una ciudad no son tan autóctonas como uno puede pensar. Sea por la globalización, la manera que tienen las ciudades de crecer (obervando e imitando) o porque lo bueno siempre funciona (¿por qué será que en Barcelona o Madrid aun encontramos pocas galerias en edificios? ¿será que no observarmos? ¿será que no copiamos?).
Entonces, al moverse por el mundo del arte es común que, para visitar una exposición o conocer un artista, uno debe entrar en un edificio, llamar al ascensor y cruzar un pasillo, que a modo hotel, enumera elegantemente realidades cerradas.
En Nueva York, en la ribera de Central Park, donde los museos conquistan los cruces y se alza un imperio de lujo y high-heel uno tropieza, sin saberlo, con edificios que esconden, entre viviendas, grandes obras de arte, propuestas difíciles de encontrar y un arte que nadie diría que se esconde en el octavo segundo. Es el caso de la referente Gagosian Gallery, emergente, pulcra, transgresora y non-populus.
Eso es lo que se debían preguntar los chicos de Design Sponge cuando empezaron a sorprendernos con su sección What’s in your toolbox.
Toda una declaración de intenciones con la que su autora, Ginny Branch Stelling, pretende (y consigue) indagar en la intimidad de artistas de lo más variado.
Quizás movida por la emblemática declaración de Picasso con la que confesaba que la inspiración le sorprendía sólo cuando trabajaba, Ginny irrumpe de una manera genial en los talleres de los artistas retratando su modus operandi y logrando con sus entrevistas verdaderas confesiones de autor. Como ese “Fill in the blank” con el que cierra todas sus posts y que nos desvela los “feelings” más íntimos de cada uno de los artistas mientras trabajan en su estudio.
Pero aún hay más. Design Sponge es una auténtica fábrica creativa en la que no podemos pasar por alto secciones como “Living in”. O lo que es lo mismo: su particular visión del diseño en películas emblemáticas como Annie Hall, Dirty Dancing o Las vírgenes suicidas. Propuestas decorativas inspiradas en el cine y reinterpretadas con muy buena vista desde la inconfundible óptica de Design Sponge. Una sección temporal pensada para locos y no tan locos del interiorismo que esperamos no tarden mucho en retomar.
Fresca, diferente, sin pretensiones, original e innovadora, es de esas webs en las que da gusto perderse y dejarse llevar por nuestra vena más cotilla e inquieta.
Nosotros les seguiremos de cerca, y tú?
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Las Ferias de Arte Joven nos fascinan. Y si son itinerantes ganan puntos. Los carruseles nos atraen y el barrio de El Caballito en Buenos Aires, es donde nos gusta perdernos, encontrarnos y buscarte cuando paseamos por la capital argentina. Ahora se juntan diez artistas y bajo el mismo marco exponen, musicalizados, el sábado y el domingo! Nos cae un poco lejos, pero nuestros amigos que caminan alrevés no faltarán, así que si por casualidades, andarás por allá ya sabes. ¿Te acuerdas de las fotos de Desbats?
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¿Hace cuánto que no enviáis una carta?, ¿Hace cuánto que no recibes una postal? Si bien, los e-mails nos acercan de la manera más rápida conocida hasta hoy… han dejado que el encanto de recibir un sobre postal se minimice.
Es por ello que cuando nos enteramos del trabajo de “Arte por correo” nos encantó la idea, éste fue un proyecto artístico que tuvo como protagonista la gráfica de jóvenes creadores a largo de 9 meses; en los cuales se fueron gestando muestras gráficas a manera de formatos enviables por medio del correo, donde cada uno de los participantes seleccionados… mes con mes tenían que darse a la tarea de enviar una creación-postal a un desconocido, y por correo también… recibir la subsecuente.
Damien Hirst (1965) es conocido como el artista contemporáneo vivo más caro de la escena artística global. La trayectoria de Hirst es larga y muy sonada, tras terminar su carrera de Fine Arts en Goldsmiths College University de Londres ciertos acontecimientos clave lo convirtieron en el punto de mira del mercado internacional. En 1997 el magante Charles Saatchi creó Sensation, la exposición de Young British Artists (YBA) en la Royal Academy of Arts de Londres. En ella participaban artistas emergentes cuyas obras, adquiridas por el mismo publicista judío de origen iraquí, incluían artistas como Tracey Emin, los Chapman Brothers, Marcus Harvey y Damien Hirst. El show fue altamente controvertido por el carácter burlón y obsceno de las obras pero también por promocionar a jóvenes artistas de la colección Saatchi, y por lo tanto, por ejercer una poderosa influencia en el mercado del arte. Lo cierto es que desde entonces Damien Hirst, quien debutó en Sensation con su tiburón en formol, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, ha gozado de una posición privilegiada en el mercado de arte y se ha caracterizado por los escandalosos precios que alcanzan sus obras en las casas de subastas como For the Love of God en 2007, la calavera con 8.601 diamantes incrustados vendida en Sotheby´s por 50 millones de libras esterlinas.
El valor económico que adquieren las obras de arte se genera a través de variados aspectos y normalmente conlleva un largo tiempo como la evolución técnica y estilística del artista y su formación pero también por quién ha expuesto sus obras, dónde y la identidad de sus primeros compradores conformando finalmente la reputación y nombre del artista. Este último está en muchas ocasiones ligado a la prensa y seguimiento mediático como ha sido el caso de Damien Hirst quien ha sido reconocido como el artista que hizo explotar la burbuja especulativa en la que se encontraba el mercado del arte durante los últimos años hasta el 2008. Ese fue el año en el que Hirst, saltándose el tradicional proceso de compra-venta entre artista-galería-subasta-cliente expuso y vendió una serie de obras inéditas en Sotheby´s titulada por él mismo Beautiful Inside My Head Forever.
Inaugurada oficialmente en 1895 la Biennale ha ido creciendo y evolucionando sumando a su programa diferentes festivales como el de cine, arquitectura, arte, danza, música y además ahora performance y teatro que se celebran en diferentes fechas del año cada dos años. Pasados los seis meses de duración este fin de semana se clausura la 53 edición de la Exposición Internacional de Arte de la Biennale de Venecia la cual ha alcanzado números tan positivos como 359,000 visitantes desde Junio 09´.
Las exposiciones siempre se han caracterizado por tener un carácter innovador, vanguardista y cutting-edge aunque en muchas ocasiones y especialmente en estos tiempos, la crítica no siempre comparte este espíritu. Muchos achacan la falta de atención y calidad al aumento precipitado de países participantes en la muestra lo cual comporta un incremento del tiempo necesario para apreciar todo lo que uno visita; un factor que se ve a la vez agudizado por las nuevas distancias entre pabellones y otros centros de exposición instalados fuera de los tradicionalmente principales le Giardini y Arsenale. Lo cierto es que es imposible que llueva al gusto de todos pero entre la multitud, siempre hay algunos que destacan y resaltan y deben ser reconocidos por ello. En esta edición los pabellones escandinavos se han llevado algunas de las mejores críticas; dos espacios convertidos en supuestas viviendas que desprenden una gran sobriedad a su vez que un cinismo envuelto en misterio. Uno se siente intruso entrando en una casa ajena pero llena de vida reflejando el gusto y costumbres, traumas y vicios de las personas que normalmente habitaban allí. De un modo completamente distinto, el pabellón ruso también consigue despertar al público nuevas reflexiones gracias a las conocidas y reivindicativas instalaciones de sangre y petróleo de Andrei Molodkin y el peculiar y divertido humor de Gosha Ostretsov.
Este año el pabellón español se ha llenado de lienzos y cerámicas del celebradísimo artista mallorquín Miquel Barcelo; siempre mostrando diferentes texturas y formas que juegan con nuestro ojo representando el mar, el desierto y la naturaleza.
Cuando las cosas se hacen bien relucen, crecen a su medido tiempo y evolucionan demostrando que todo, en cualquier lugar es posible. Es el caso de Matadero, el centro de creación contemporánea de Madrid que rescató una antigua superficie gigante (el espacio es inmenso) con todas sus naves, sus estructuras históricas y su inmenso patio y lo llena de propuestas multidisciplinares que divagan sobre los más diferentes aspectos conceptuales, artísticos y estéticos.
Y mientras propone diferentes maneras de concebir, consumir y entender el arte, levanta y anima un barrio: Legazpi, que lo recibe con las manos abiertas. Y es que MATADERO no sólo pretende estimular la creación, ser sede de diferentes festivales, festivalines y conciertazos (esta semana estaba el SISMO, donde nuestros amigos de MAPAdejarón el pabellón bien alto con una instalación de grandes flechas naranjas) sino que se abre al barrio y al público masivo. Tiene una zona, el Terrario, donde además de té gratuito para todos, hay ordenadores, wifi y hasta un lugar para que tú o tus colegas de trabajo podáis ir a presentar lo que querías, ya que hay sofas, sillas y proyectores de libre uso. Además una zona con mesas de pinpon, grandes pizarras y ordenadores con juegos y demás aplicaciones de opensource.
Me encantan las casualidades. Hace días que quería escribir sobre Tavi, la nena de 13 años que se pone cosas maravillosas en el pelo, sobre la última colaboración de Damien Hirst para Louis Vuitton y sobre la estratégia que tiene la versión online de la revista POP para buscar / cazar sus colaboradores para su blog. Pues todo se entremezcla. Igual nada te sueno nuevo pero tal vez descubres alguno de los cruces. Entonces:
- Louis Vuiton presenta unas piezas creadas por el polifacético Damien Hirst, Annie Leibovitz y Marc Jacobs que se subastarán para recaudarán dinero para Cruz Roja. Me quedó con el bolso, que será todo un deseo para algún fotógrafo caprichoso que quiere tener una bolsa única (y de paso ayudar a realzar la fama, pues en este caso no la economía, de Leibovitz).
- Hirst no para, está en plena efervescencia colaborativa y diseño la portada de la revista Pop donde sale Tavi. Un machambrado por todos los lados, que conjuga el límite de dos estilos, moda y arte o igual ¿arte y diseño y casi no moda?
- Y Tavi (Style Rookie) pues poco hay que añadir. Solo comentar que decir lo primero que me vino a la cabeza cuando meses atrás descubrí su blog fue, ¿será un nuevo tipo de marquéting donde detrás esté Comme des Garçons? Pero no Tavi tiene vida y es lo que escribe. (me gusta cuando baila frente la cámara)
A Murakami, el artista, ya que hay quien, al escuchar el nombre primero piensa en el escritor, le tengo un amor-odio de esos que llaman la atención. Sus obras me seducen de la misma manera que sus colaboraciones con Louis Vuitton me despistan, pero igual, es exactamente esa sensación warholiana la que pretende conquistar, a base de confusión, a pequeña despistadas como yo. Un amigo, referente en muchos temas, me enseñó una camiseta que se quedó tras visitar la expo del artista japonés en el Guggenheim en Bilbao y reconozco que me abrió el gusanillo de pasear frente una de sus exposiciones. Recientemente visité su país y pensé que tal vez la casualidad haría que me encontrará su arte en alguna expo que lo ensalza a popular, en alguna galeria perdida cerca del Watari Museum que lo convirtierá, aun, en indie o presentará una “obra inédita”.
Pero más allá del ya icónico y fotográfiado mural que tiene en Takehista street resulta que me lo encontré en un lugar más cercano. Murakami aterrizó en Ibiza con una expo cuyo título y cartel promocional, parecían refererirse, por el estado de la cuestión y la rareza de su exposición en la isla Balear, a una inmobiliaría que se aferraba a un slogan fácil. Superflat y con letras minúsculas (en las que no percaté pues pensé sería la dirección donde dirigirme a buscar el super piso) New Pop Culture. Entonces, todo empezó a coger forma y sentido. La expo, lejos de lo que he podido leer de muchas otras, con una presentación rozando por los pelos lo correcto, sirvió para acercar a un público de paso (que estaba de vacaciones), a los artistas que residen en Ibiza y a despistados, el concepto como Murakami entiende el arte y su concepto de Superflatque vendría a ser el Superflat. Ese mundo plano (flat) que puede leerse, disfrutarse o “entenderse” desde cualquier punto que se mire. Así que de otra manera a la que esperaba, pero igual casi al mismo tiempo de lo previsto, me encontraba frente ese mundo que mezcla lo japonés con los mangas y el animé, el color con la imaginación y la copia, con la crítica de su misma sociedad. Al salir del Centre Sociocultural S’Alamera, en pleno Ibiza centro, me vi enfrascada en divagaciones que buscaban diferenciar las sensaciones en el observar, disfrutar, entender o “consumir” el arte en distintos lugares (un Pompidou versus el Centre Cultura s’Alamera, por ejemplo!). Pero fue al final, donde recalé en que lo importante, era, sin duda alguna, que había podido gozar de lo que quería descrubir, aunque fuera, sin ir tan lejos, como cruzando mi tierra natal.
Aurel Schmidt es una artista visual nacida en British Columbia, Cánada y que últimamente se ve mucho en las front row the las pasarelas de su lugar de inspiración, Nueva York. Esta “it girl” me recuerda a una mezcla entre Cloe Sevigny y Harry Potter, pero sin duda lo que la hace estar de moda es la facilidad por cambiar de gafas, mientras más extravagantes y grandes y con aire intelectual mejor que mejor. Un estilo grunge, casi siempre de negro, toques vintage, y aire neoyorquino descuidado. Su arte tampoco tiene desperdicio Es ese tipo de arte que da que hablar, colorista, pero al mismo tiempo algo oscuro… no sé si me explico, ficha su arte y como no su estilo!.
