Tic, tac, tic, tac, tic, tac…. Tres enormes relojes nos presentan al escenario del teatro Coliseum de Barcelona… todo en armonía. Desde el minuto cero, los pies adquieren personalidad propia y sienten la necesidad de ponerse a bailar. Deciden quedarse quietos porque los otros también han optado por no moverse, aunque poco a poco, se empieza a sentir el ritmo en las butacas y algún que otro pie proactivo decide seguir el ritmo con tímidos movimientos.
Diez bailarines, diez percusionistas, diez acróbatas, diez músicos, diez cantantes, diez actores, en fin, diez personas ultrapolifacéticas que lo mismo tocan un timbal que hacen un triple salto mortal.
Un crack del beatbox de repente salta a platea y detrás, uno de los chicos con una cámara enfocando las caras de la gente: Había de todo, caras de tierra trágame, de yo prefiero mirar al suelo o de yo mejor sonrío por si me ve algún chico guapo.
Empieza el recital de beatbox, increíble como un ser humano puede hacer más de ocho sonidos simultáneos con la boca, impresionante. De vez en cuando, el micrófono pasaba a estar en boca de alguno del público, y entre el ataque de risa y la vergüenza, lo único que se oía eran soniditos que provocaron grandes risas.
No había una historia lineal pero si el tema del tiempo, de la velocidad, de las prisas y de las pausas, envolvía toda la atmósfera de la obra. Nos quedamos fascinados al contemplar la incomprensible sincronización y la gran capacidad de memorización coreográfica de Mayumana, sin palabras.
Número tras número, los pies iban perdiendo la vergüenza y alguna mano que otra se animó incluso a dar palmas. Llegó un punto que, una vez acabada la obra, Mayumana nos regaló diez minutos maravillosos de Batukada que acabaron de despertar al resto de las extremidades rezagadas y vergonzosas.
En definitiva, el espectáculo,hace honor al nombre, Momentum, al convertirse la hora y media que dura en cinco minutos a percepción del espectador. Os dejamos un link con un pequeño vídeo aquí abajo para ir abriendo boca!
Si pensamos en los cuadros de Edward Hopper, nos trasladaremos a habitaciones de hotel, cafeterías solitarias y personajes de mirada perdida. Ahora Eva Hibernia traslada 12 obras del pintor norteamericano a escena con La América de Edward Hopper, un montaje teatral que puede verse en la Sala Beckett hasta el día 14 de junio.
Durante dos horas y diez minutos, dos personajes recorren varios espacios que el espectador podrá identificar con las pinturas de Hopper. Los dos personajes son una pareja de enamorados, Vera (Alicia González Laá) y Tomás (Joaquín Daniel), que se trasladan de un sitio a otro por los motivos laborales de él. Ella pasa muchas horas en la habitación y se refugia en la ficción; en sus libros y en las historias que escribe con una máquina de escribir que le remite al recuerdo de su hermano gemelo muerto años atrás. Vera propone un juego a Tomás: inventarse otra realidad, otro universo paralelo que los mismos actores. Así, Tomás es también un hombre judío que escapa de la Segunda Guerra Mundial y Vera se convierte en Miranda, su hija, que sólo desea escribir a su abuela e inventar otro mundo más feliz. Estas dos historias se combinarán a lo largo de toda la obra sin confundir excesivamente al espectador, que en todo momento es capaz de distinguir quiénes son los personajes.
En los dos casos, se contraponen las personalidades de los dos personajes y los diálogos llevan al extremo estas diferencias, a mi parecer incluso exagerándolo demasiado. Les une el amor, pero les separan sus maneras de vivir. Tomás es un hombre que huye de la ficción y quiere centrarse en su vida laboral y Vera se refugia en la literatura y en la invención de historias para huir precisamente de la vida cotidiana. Ocurre lo mismo con Miranda y su padre y, de hecho, cuando las dos historias se entrecruzan, el choque de modos de vivir es el mismo. Y es precisamente esta reiteración lo que puede cansar al espectador.
Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet, ha vuelto a Barcelona. Catorce años después de su estreno en la capital catalana, Mario Gas dirige de nuevo este espectáculo, con música y letra de Stephen Sondheim, que ha acogido durante dos meses y medio el Teatro Español de Madrid. Ahora este thriller musical puede verse en el Teatro Apolo de Barcelona hasta el día 12 de mayo. Se trata del mismo montaje de hace catorce años, que ya contaba con Vicky Peña como coprotagonista, pero en esta ocasión el papel del barbero progatonista lo interpreta Joan Crosas en vez de Constantino Romero.
Traición, venganza y ambición rigen este musical de casi tres horas de duración. El espectáculo se basa en un melodrama victoriano que nos traslada al Londres del siglo XIX, donde Sweeney Todd, un barbero injustamente condenado al exilio, vuelve a su hogar con sed de venganza. Cuando llega a su casa, sólo se encuentra a Mrs. Lovett, una pastelera que le reconoce en seguida. Ella le contará que su mujer murió envenenada y que su hija reside en casa del mismo juez que le encarceló. Junto a esta mujer, Sweeney Todd emprenderá su venganza personal, intentará recuperar a su hija y juntos desarrollarán un exitoso negocio basado en el comercio de pasteles de carne humana.
source: elpaís.com
Vicky Peña deslumbra con su interpretación de Mrs. Lovett. La actriz repite papel y se gana al público en cada intervención. Encuentra el equilibrio adecuado entre el personaje malvado y el personaje divertido, consiguiendo hacernos cómplices de su relación con Sweeney Todd, de su afán de riqueza y de la aparente normalidad con que trata todo lo que le sucede. De hecho, el trato con el pequeño Tobias nos muestra una faceta más tierna del personaje, que a su vez se contrapone con la decisión de encerrar al niño hacia el final de la segunda parte. Es precisamente esta contradicción lo que enriquece al personaje y que Vicky Peña logra bordar, llenando, así, el escenario y cautivando al espectador.
El teatro Villarroel de Barcelona ofreció, dentro del programa de la OffVillarroel, el espectáculo “Nosferata”, dirigida por Jango Edwards.
Oí hablar de Cristi Garbo, la protagonista absoluta de la pieza, en un informativo serio. Ahí se mostraba cómo una payasa, en femenino, reivindicaba el papel de la mujer en un género más reconocido y poblado por figuras masculinas. Vi cómo se maquillaba, cómo subía al escenario de El Almacén (dónde se gestó la obra) y me despertó esa curiosidad de verla en acción, cosas de las buenas piezas audiovisuales capaces de vender lo que sea con un buen montaje y unas buenas imágenes, ya saben.
A los pocos días ya tenía dos entradas para asistir a la Villarroel un viernes por la noche. Aunque la hora de inicio me parecía más propia de un cabaret que de una payasa (las 23:30, ustedes dirán), aguardé expectante el momento.
Me senté y observé el decorado, era de un cutre que no molesta (por aquello de que lo importante es el contenido y no el continente).
Éramos pocos, en la sala, pero juraría que todos con ganas de ver una buena “payasada”. Se subió el telón y Cristi Garbo apareció, vestida de vampiresa, toda negra, con un sombrero lleno de plumas, voluptuosa, llenando el escenario. La primera impresión fue buena, hay que reconocerlo. Pero para salvar el espectáculo tendría que haber finalizado aquí. Subida y bajada de telón, aplausos.
Fuente fotografía: EL PAÍS.com
La compañía la Fura dels Baus estrenó el pasado martes en Bruselas, Le Grand Macabre, la única ópera de Gyöergy Ligeti. Está producida por el teatro bruselense La Monnaie, el Liceo de Barcelona, la English National Opera y el Teatro dell’Opera de Roma.
Es una versión de la obra del compositor de Hungría György Ligeti. Se representa por primera vez en Bruselas ya que es la ciudad natal de Michel de Ghelderode, autor de la obra de teatro que más tarde sería fuente de inspiración de la ópera de Ligeti.
La obra recrea las danzas macabras de la Edad Media, los espectáculos de marionetas y las kermesses con el objetivo de conseguir una reacción contra el elitismo intelectual de la época de comienzos del siglo XX.
La escenografía principal de la obra es una muñeca, inspirada en el arte de Ron Mueck, de 17 metros de altura y 7 de ancho de cuyo interior salen los actores. El tema central de la representación es el miedo extremo a la muerte, a la angustia y el nerviosismo que nos domina aunque nuestro espíritu haya aceptado que hemos llegado a nuestro fin.
La obra tiene lugar en Breughellande, una tierra imaginaria y caótica poblada por monstruos y campesinos pintorescos que simula el sentimiento de un cuerpo que siente que va a morir. Pese a la tragedia de la temática, La Fura dels Baus consigue grandes toques humorísticos al reirse de la muerte y de cómo la gente la afronta con reacciones que van desde la total aceptación a la histeria extrema. Este toque de humor lo que pretende en el fondo, es emitir un mensaje de vitalidad, de dejar a un lado el miedo a la muerte.
El espectáculo permanecerá dos semanas en Bélgica antes de verse en Londres el próximo mes de junio, en Roma en octubre y en Barcelona en 2011.
Un tal ímpetu vital contra la razón que rige nuestras acciones tantas veces. La búsqueda de este motor para encontrar el sentido de la vida es el eje central de esta obra de Jordi Oriol, que acoge el Teatre Lliure de Barcelona hasta el 22 de marzo.
El punto de partida es el regreso de Eva a la casa de sus padres. La joven ha decidido darse un tiempo con su novio y volver al hogar familiar. Ahí se encontrará con su hermano, Jep, que también ha vuelto a casa, después de perder su trabajo en el extranjero. Pero resulta que los padres acaban de morir. Un meteorito les ha caído encima mientras miraban una lluvia de estrellas. Ante esta situación, Eva y Jep se plantearán su existencia sin la posibilidad de recurrir a sus padres, que ya no están en el momento en que más creían necesitarles.
Un tal ímpetu vital relaciona la necesidad de la figura del padre y la madre con la de Dios, es decir, la certeza de saber que hay algo a qué aferrarse cuando las cosas no van bien. Pero los padres han muerto, Dios ha muerto, en este mundo acelerado y sobrecargado de opciones vitales con las que ocupar tu vida pero sin saber por qué. Los dos jóvenes conviven con sus abuelos, que ya están de vuelta de todo y viven la muerte de sus hijos como un castigo divino o como el principio del Apocalipsis, además de convivir con la culpa y con el desconcierto ante la novedad de la situación. Los dos tienen que elegir como continuar sus vidas, deben elegir. Eva decide intentar arreglar su vida y recuperar a su novio, sin éxito; eso la moverá a buscar otro objetivo para sobrevivir: decide tener un hijo, a cualquier precio.
Jep lo vive de otro modo, no tiene una vida sentimental anterior a la que aferrarse y la sombra de culpabilidad por la muerte de sus padres le atormenta. Perseguirá otro motivo para salir adelante, el éxito profesional y el reconocimiento de los demás. Decidirá ponerse al servicio de la sociedad para investigar algún remedio ante la plaga de moscas que ha acompañado la caída de meteoritos. Pero su afán por conseguirlo no es tanto encontrar la solución como conseguir el agradecimiento de la gente, el triunfo, el éxito, cambiar el mundo.
de Neil Labute
Julio Manrique ha vuelto al Espai Lliure de Barcelona con “La forma de les coses”, la adaptación del texto de Neil Labute “The shape of things”, con la que obtuvo dos premios Butaca 2008: el de Mejor Montaje de Pequeño Formato y el de Mejor Dirección Teatral.
El espectáculo ya ocupó la sala pequeña del Lliure la temporada pasada e hizo sus bolos a diversos puntos de Cataluña, pero es gracias al reconocimiento por parte de público y crítica con los premios anuales de teatro que ha podido volver a hacerse un hueco en la programación del más que prolífico escenario catalán.
“La forma de les coses” es una historia sobre amor, arte, amistad y engaño. Adam (Marc Rodríguez, pero durante unos días interpretado por Julio Manrique) es un chico solitario, feo, con poca gracia, culto, trabajador (vigilante de un museo) y acomplejado que conoce a Evelyn (Mireia Aixalà) una chica entusiasta, con iniciativa, alegre, inteligente (se está doctorando en arte), alocada y con mucho (mal)carácter. Elipsis. Evelyn y Adam son pareja. Él está en el séptimo cielo pero no entiende qué hace una chica tan fantástica y bonita con él, un pobre y feúcho Don Nadie. Pero Evelyn es plenamente feliz con el vigilante de museo, su vertiente intelectual la llena y quiere saberlo todo de él: “Per què em fas tantes preguntes?”, dice Adam, “Perquè em despertes curiositat”, contesta ella. Y parece ser que, además, la atracción no falta.
El Teatre Lliure de Barcelona ofrece hasta el 14 de diciembre la obra “Jugar con un tigre”, adaptación de la novela “Play with a tiger” de Doris Lessing, premio Nobel de 2007. La traducción y dirección del texto están signados por Carlota Subirós.
Las gradas del Espai Lliure (curiosa coincidencia entre el nombre del espacio y la temática de la pieza) resguardan el cuarto de Anna Freeman. Allí se suceden divagaciones sobre el amor, la libertad dentro de una pareja, las reglas del juego del querer y del amar (a uno mismo y a los otros), los límites que se deben y/o pueden imponer, las esperanzas y expectativas que se crean y el miedo/terror/refuto/avenencia a formar parte del engranaje que la sociedad ha ideado alrededor de la familia y sus miembros. Todas las tramas y los temas que se exponen e intuyen tienen un único punto de partida y de final: la lucha. Así lo explica Subirós: “La lucha es la esencia de esta pieza, la lucha por la libertad en su forma más elemental y a la vez más contradictoria: en una relación de amor. Qué significa atarse a una persona. Qué significa ser libre dentro de una relación”.
En este único recinto se nos presentan cinco personajes que utilizan la habitación como punto de encuentro a lo largo de un día y una noche. Anna Freeman (Belén Fabra) es madre soltera y amante de Dave, tiene ideas convulsas y contradictorias sobre su vida, se muestra fuerte y débil a la vez. Mary (Anna Azcona) es una mujer liberal y soltera (si las viudas con un hijo pueden considerarse solteronas, claro) que vive con profunda tristeza la inminente boda de su único hijo. Tom (Joan Carreras) interpreta al ex prometido de Anna que intenta recuperarla, aunque su insistencia no dure más de cuatro escenas. Dave (Ernest Villegas), el amante de Anna, es un guaperas que no cree en el matrimonio ni en lo que este conlleva, aunque asegura que si tuviera que casarse con alguien sería con Anna. Harry (Albert Ribalta) da vida a un marido adúltero e infeliz que busca amor y vida lejos de las paredes de su casa. Janet (Alba Pujol) es una chica de buena familia que se planta en casa de Anna para ver a la amante del padre de su futuro hijo, Dave. Janet quiere saber dónde está su amado y refregarle a Anna que ella será quien se quede con el guapo de la obra gracias a su embarazo “no deseado”.
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¡La educación es la enemiga de la educación! Esta frase lapidaria inunda el patio de butacas del renacido Teatro Goya. Meritocracia, programas, técnicas de estudio son palabras prohibidas para el inconformista profesor Héctor. Interpretado por el veterano J.M Pou, este profesor se funde con sus ocho alumnos aspirantes a Oxford en un mundo de descubrimiento personal donde ellos son los protagonistas. Aprender no sirve para nada pero sirve para todo. La anarquía educativa se acaba con la llegada del brillante profesor Irwin que empieza a seducir a los alumnos con las mieles del éxito.
La Fura dels Baus está conquistado la capi y es que Boris Godunov llega al Teatro María Guerrero. Nosotros sabíamos que daría de que hablar y por eso fuimos a su estreno en el Teatro Nacional de Barcelona y hablamos con Alex Ollé, director artístico de la Fura. Vimos como la obra aborda el terrorismo, sentimos miedo con los tiros, las metralletas que corren, los gritos y ese ambiente que sólo la Fura dels Baus puede crear entre asientos. Si no sabes si decirte a ver la obra, te aclaramos la decisión:
!Sin duda hay que sentirlo!