Este año, por A, por B y por Z no podemos ir a ARCO. Nos da pena, pues nos gusta encontrarnos a galeristas amigos, artistas conocidos y obras que nos llamen la atención, sobre las que divagamos largo y tendido. Pero como la nostalgia está de moda aquí te dejamos nuestros paseo del año pasado!

“Es como entrar en un Matrix!” ese es el comentario que al visitar la exposición dedicada al trabajo de Antony Gormley en el Antiguo Colegio de San Ildefonso -en el centro la ciudad de México-, me quedó marcado, provenía de un par de amigas que asistían en un recorrido contiguo al mío. Y es que, en una sala completamente oscura, y sucediendo a un camino de migajas de pan… eras sorprendido por una estructura que en realidad era alucinante, ya que alrededor de 20 armazones -simulando cajas superpuestas- te sorprendían haciendo que no distinguieras en primer momento que sucedía… porqué la obra que se encontraba frente a tus ojos se mostraba de un resplandeciente neón y simulando estar suspendida en el aire. En efecto… ¡era como una de las escenas de Matrix!

Fue así que, entre una sala tapizada de rebanadas de pan… un salón con hombres sobre mi cabeza y una estructura metálica por demás inmensa en uno de los traspatios del recinto, transcurrió otra más de las excelentes muestras que el museo siempre nos ofrece.

Antony es un artista inglés que ha usado su propio cuerpo como sujeto, herramienta y material, “Gormley ha revitalizado la imagen humana en la escultura a través de su investigación del cuerpo como un lugar de memoria y transformación” (pone esto de aviso la crítica especializada). Ha creado algunas de las obras más ambiciosas e icónicas de las últimas 2 décadas -Field, The Angel of the North, Quantum Cloud… Another Place… entre otras-. Y es que en realidad vale la pena comentar sobre la obra de Gormley.

¿Qué dices tú… te ha llamado algo la atención, coméntanos sobre tu experiencia?

Nos encantan las colaboraciones, las inspiraciones, los homenajes.. en fin, nos fascina la idea de colaborar!
Navegando navegando nos encontramos con una colaboración que realmente merece la pena hablar de ella. Se trata de un increíble cruce de medios del ultragalardonado director artístico londinense Mat Mailand que ha creado una serie de covers y campañas musicales para grandes como Basement Jaxx, Simian y Beck entre otros.

Consigue que la música, el arte, la fotografía y la moda coexistan en sincronía erradicando las incomprensibles barreras que acostumbrar a separar las artes, gracias a Dios, cada vez más, están desapareciendo dando lugar a creaciones fascinantes que abren las puertas a una nueva manera de ver el arte.

Damien Hirst (1965) es conocido como el artista contemporáneo vivo más caro de la escena artística global. La trayectoria de Hirst es larga y muy sonada, tras terminar su carrera de Fine Arts en Goldsmiths College University de Londres ciertos acontecimientos clave lo convirtieron en el punto de mira del mercado internacional. En 1997 el magante Charles Saatchi creó Sensation, la exposición de Young British Artists (YBA) en la Royal Academy of Arts de Londres. En ella participaban artistas emergentes cuyas obras, adquiridas por el mismo publicista judío de origen iraquí, incluían artistas como Tracey Emin, los Chapman Brothers, Marcus Harvey y Damien Hirst. El show fue altamente controvertido por el carácter burlón y obsceno de las obras pero también por promocionar a jóvenes artistas de la colección Saatchi, y por lo tanto, por ejercer una poderosa influencia en el mercado del arte. Lo cierto es que desde entonces Damien Hirst, quien debutó en Sensation con su tiburón en formol, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, ha gozado de una posición privilegiada en el mercado de arte y se ha caracterizado por los escandalosos precios que alcanzan sus obras en las casas de subastas como For the Love of God en 2007, la calavera con 8.601 diamantes incrustados vendida en Sotheby´s por 50 millones de libras esterlinas.

El valor económico que adquieren las obras de arte se genera a través de variados aspectos y normalmente conlleva un largo tiempo como la evolución técnica y estilística del artista y su formación pero también por quién ha expuesto sus obras, dónde y la identidad de sus primeros compradores conformando finalmente la reputación y nombre del artista. Este último está en muchas ocasiones ligado a la prensa y seguimiento mediático como ha sido el caso de Damien Hirst quien ha sido reconocido como el artista que hizo explotar la burbuja especulativa en la que se encontraba el mercado del arte durante los últimos años hasta el 2008. Ese fue el año en el que Hirst, saltándose el tradicional proceso de compra-venta entre artista-galería-subasta-cliente expuso y vendió una serie de obras inéditas en Sotheby´s titulada por él mismo Beautiful Inside My Head Forever.

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Horst Gläsker pasó de escaparatista a cartelista y con el mismo talento por todos los ‘ista’ y demás sufijos hasta consagrarse como un gran artista. Ha hecho conferencias, arquitectura, música, baile, escultura… en fin, no hay nada que Gläsker no haya hecho de forma espectacular.

Hacia los setenta, se dedicó a recoger alfombras de las basuras y las pintó de colores psicodélicos, hecho que le provocó la expulsión de la escuela donde estudiaba arte. Inconformista por naturaleza y buscador constante de novedad y cambio, se buscó un pequeñito estudio donde creó a su manera.

Científicos del arte han bautizado lo que hace Gläsker como “Individual Mythology”. La definición más cercana de esta corriente es tal vez, la idea de la “Gesamtkunstwerk”, que lo describió como “ave del paraíso y santo loco” por su característico giro pictórico y sus claras referencias al grotesco.

Nos encanta la sencillez con la que convierte todo en arte y especialmente, la arquitectura. ¿No te encantan esas escaleras?

Conocí a Nan Goldin de una manera inolvidable, tal vez por eso, sea de esas fotógrafas que no se olvidan, que marcan y que vienen a la mente cuando uno se imagina una artista que retrata épocas, sensaciones y semanas tras semanas. La conocí en un ipod cuadrado y pequeño y era la voz de un un gran pequeño artista en potencia, quien me hablaba emocionado, mientras sus dedos corrían pasando unas y otras fotos a modo vertiginoso, alternándo anécdotas, historias y detalles de la americana. Me contaba que Goldin narra, a través de sus fotos, su vida. Habla de ella, de sus amigos, de sus amantes, creando un “diario visual”. El segundo gran encuentro fue sentada en el suelo de la biblioteca del Pompidou devorando libros que hablan de ella, contaban las muertes cercanas que ha vivido, los proyectos en los que se ha embarcado y las historias en las que ha andado liada. Una obra ligada de manera paralela y cercana a su vida personal, saltando reglas estéticas, consiguiendo, gracias a eso, una fuerza y narrativa fuera de lo común.

A primeras su trabajo es duro, fuerte y crudo, pero si uno pasea entre sus encuadres acaba penetrando en una dulzura sublime, sencilla y desnuda. Ahora llega a Madrid y es que la Galeria Javier Lopez nos presenta sus obras, para ver de cerca, para sentarse en el suelo, para respirar su mundo, para tocar su vida. Yo ahora ando lejos y espero que seas tú quien si pasea por Madrid me lo cuente, ¿me lo cuentas?

I make new art because I feel this is a new spatial adventure. To make new art, you have to make new space (Anish Kapoor 2009)

Sus esculturas son mundialmente conocidas, él es el maestro de las formas cóncavas y convexas, de los volúmenes extremados y de las superficies pulidas. Al entrar en el patio central de la Royal Academy de Londres nos da la bienvenida la instalación formada por esferas que reflejan como espejos todo su alrededor; una maraña de bolas se eleva sin orden alguno hasta llegar a los 15 metros de altura anticipando una muestra de lo que se encuentra en la mayor exposición creada del artista indio nacido en Bombay, Anish Kapoor (1954).
Una vez dentro, las obras ocupan casi por completo el espacio expositivo; en muchas ocasiones no se ha dejado un pasillo por el que atravesar la sala sino que el público debe sortear las piezas. Con ello el visitante se encuentra a una distancia tan próxima a la obra desde donde apreciar, descubrir y averiguar las propiedades y caprichos de cada material utilizado. Una de los elementos clave que singulariza la obra de Kapoor es el llamativo atractivo estético que desprenden sus obras no solo visualmente sino porque tientan a ser tocadas y acariciadas, rodeadas e inspeccionadas. Con la serie de estructuras geométricas hechas de espejo el visitante experimenta e interactúa con la tridimensionalidad jugando y retando las desproporcionadas dimensiones del espacio y forma que resultan del efecto óptico que éstas provocan.

Sin embargo, lo más ingenioso e inédito de la exposición son las nuevas obras en las que el artista ha introducido nuevos materiales con diferentes propósitos. La intensidad visual de la cera mezclada con un aceite de color rojo sangre e impregnada a lo largo de 5 salas expositivas donde se ha colocado una plataforma y un muro móvil que se desplaza lentamente arrastrando masas de cera es fuertísima. Podemos observar las huellas que el artista ha dejado, sus manos han estado amasando y trabajando el material para colocarlo en cada dintel.

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Y es que otra vez los chicos de thecoolhunter.net nos han vuelto a sorprender con una edición de lujo de sus recopilaciones semanales de lo más tendencioso a lado y lado del charco de una y otra disciplina.

Esta vez la entrega semanal viene marcada por el diseño de interiores. Por un lado una envidiable casa en Melbourne a la que no falta detalle y a la que pocos pondrían pegas. Por otro, una apuesta tan genail como divertida que consiste en una cocina de Lego. Sí, has leído bien: una cocina construida con piezas de Lego. Y es que los diseñadores parisinos Simon Pillard y Philippe Rosetti se han puesto de acuerdo para presentarnos una cocina en la que el guisar es un juego, o al menos su escenario invita a ello.

Además, recoge también las nuevas propuestas de la firma italiana Noodle Park, las originales y creativas esculturas recicladas de Robert Bradford o la Shoe Experience, un recorrido por la historia del calzado de la mano convertido en museo en una pequeña localidad a 70 km de Bruselas.

No te lo pierdas.

Resulta que el Sónar decide que este año su crecimiento no sólo será en el tiempo (en la anterior edición se presentó y tuvo sus pasos en un montón de países lejanos, de los estados americanos al gigante argentino) sino también en el espacio. Y es que a la vez que unos bailarán y verán las novedades y “flikadas” multimedia en Barcelona se llevará a cabo, simultáneamente, en Galicia

Y para rematar la jugada y atinar con el desdoblamiento, hacen que su ya esperada y ansiada imagen se llame Finisterre, este estructurada en seís capítulos y un epílogo y que trate sobre la introspección de un fantasma que en el Sónar 2009 decidieron hacer el Camino de Santiago hasta el fin del mundo para una vez allá comenzar una nueva etapa terrenal y efímera. Así que ya sabes, igual, si no nos desdoblamos, hacemos un concurso para que elijas si quieres que grabemos aqui o allá, ¿qué te parece?

Sin duda alguna se puede decir que Londres ha sido y sigue siendo una de las ciudades más completas, ricas, activas y punteras del mundo del arte. Pero especialmente Londres se caracteriza por tener una de las reentrée más destacables de todas; después de un verano tranquilo y un septiembre calentando motores, un octubre en el que la capital inglesa se convierte en el punto de mira internacional reuniendo a miles de personas involucradas en la escena artística y cultural. Es increíble la intensidad y concentración de fechas cuando tantas galerías celebran sus inauguraciones en el mes de Octubre y de hecho pueden contarse hasta un centenar en toda la ciudad, aproximadamente unos 25 openings a la semana.

Durante estos días la atmósfera londinense se transforma en un estado festivo donde diferentes personalidades tratan de encontrarse, negociar y socializarse en cada evento VIP mientras el champagne se sirve como el agua. Todo ello viene inducido y estimulado por la feria anual de arte contemporáneo ya no tan jovencita pero si tremendamente exitosa llamada Frieze que cumple este año su 7ª edición y que reúne algunas de las más prestigiosas galerías del mundo entero. Desde que Frieze nació se ha generado en Londres un sentimiento de orgullo y fomento del arte contemporáneo inexistente anteriormente ya que las únicas ferias que se celebraban eran las de antigüedades como Grosvenor Art & Antiques o Olympia Fine Art Fair.

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