Damien Hirst (1965) es conocido como el artista contemporáneo vivo más caro de la escena artística global. La trayectoria de Hirst es larga y muy sonada, tras terminar su carrera de Fine Arts en Goldsmiths College University de Londres ciertos acontecimientos clave lo convirtieron en el punto de mira del mercado internacional. En 1997 el magante Charles Saatchi creó Sensation, la exposición de Young British Artists (YBA) en la Royal Academy of Arts de Londres. En ella participaban artistas emergentes cuyas obras, adquiridas por el mismo publicista judío de origen iraquí, incluían artistas como Tracey Emin, los Chapman Brothers, Marcus Harvey y Damien Hirst. El show fue altamente controvertido por el carácter burlón y obsceno de las obras pero también por promocionar a jóvenes artistas de la colección Saatchi, y por lo tanto, por ejercer una poderosa influencia en el mercado del arte. Lo cierto es que desde entonces Damien Hirst, quien debutó en Sensation con su tiburón en formol, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, ha gozado de una posición privilegiada en el mercado de arte y se ha caracterizado por los escandalosos precios que alcanzan sus obras en las casas de subastas como For the Love of God en 2007, la calavera con 8.601 diamantes incrustados vendida en Sotheby´s por 50 millones de libras esterlinas.

El valor económico que adquieren las obras de arte se genera a través de variados aspectos y normalmente conlleva un largo tiempo como la evolución técnica y estilística del artista y su formación pero también por quién ha expuesto sus obras, dónde y la identidad de sus primeros compradores conformando finalmente la reputación y nombre del artista. Este último está en muchas ocasiones ligado a la prensa y seguimiento mediático como ha sido el caso de Damien Hirst quien ha sido reconocido como el artista que hizo explotar la burbuja especulativa en la que se encontraba el mercado del arte durante los últimos años hasta el 2008. Ese fue el año en el que Hirst, saltándose el tradicional proceso de compra-venta entre artista-galería-subasta-cliente expuso y vendió una serie de obras inéditas en Sotheby´s titulada por él mismo Beautiful Inside My Head Forever.

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Inaugurada oficialmente en 1895 la Biennale ha ido creciendo y evolucionando sumando a su programa diferentes festivales como el de cine, arquitectura, arte, danza, música y además ahora performance y teatro que se celebran en diferentes fechas del año cada dos años. Pasados los seis meses de duración este fin de semana se clausura la 53 edición de la Exposición Internacional de Arte de la Biennale de Venecia la cual ha alcanzado números tan positivos como 359,000 visitantes desde Junio 09´.
Las exposiciones siempre se han caracterizado por tener un carácter innovador, vanguardista y cutting-edge aunque en muchas ocasiones y especialmente en estos tiempos, la crítica no siempre comparte este espíritu. Muchos achacan la falta de atención y calidad al aumento precipitado de países participantes en la muestra lo cual comporta un incremento del tiempo necesario para apreciar todo lo que uno visita; un factor que se ve a la vez agudizado por las nuevas distancias entre pabellones y otros centros de exposición instalados fuera de los tradicionalmente principales le Giardini y Arsenale. Lo cierto es que es imposible que llueva al gusto de todos pero entre la multitud, siempre hay algunos que destacan y resaltan y deben ser reconocidos por ello. En esta edición los pabellones escandinavos se han llevado algunas de las mejores críticas; dos espacios convertidos en supuestas viviendas que desprenden una gran sobriedad a su vez que un cinismo envuelto en misterio. Uno se siente intruso entrando en una casa ajena pero llena de vida reflejando el gusto y costumbres, traumas y vicios de las personas que normalmente habitaban allí. De un modo completamente distinto, el pabellón ruso también consigue despertar al público nuevas reflexiones gracias a las conocidas y reivindicativas instalaciones de sangre y petróleo de Andrei Molodkin y el peculiar y divertido humor de Gosha Ostretsov.

Este año el pabellón español se ha llenado de lienzos y cerámicas del celebradísimo artista mallorquín Miquel Barcelo; siempre mostrando diferentes texturas y formas que juegan con nuestro ojo representando el mar, el desierto y la naturaleza.

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I make new art because I feel this is a new spatial adventure. To make new art, you have to make new space (Anish Kapoor 2009)

Sus esculturas son mundialmente conocidas, él es el maestro de las formas cóncavas y convexas, de los volúmenes extremados y de las superficies pulidas. Al entrar en el patio central de la Royal Academy de Londres nos da la bienvenida la instalación formada por esferas que reflejan como espejos todo su alrededor; una maraña de bolas se eleva sin orden alguno hasta llegar a los 15 metros de altura anticipando una muestra de lo que se encuentra en la mayor exposición creada del artista indio nacido en Bombay, Anish Kapoor (1954).
Una vez dentro, las obras ocupan casi por completo el espacio expositivo; en muchas ocasiones no se ha dejado un pasillo por el que atravesar la sala sino que el público debe sortear las piezas. Con ello el visitante se encuentra a una distancia tan próxima a la obra desde donde apreciar, descubrir y averiguar las propiedades y caprichos de cada material utilizado. Una de los elementos clave que singulariza la obra de Kapoor es el llamativo atractivo estético que desprenden sus obras no solo visualmente sino porque tientan a ser tocadas y acariciadas, rodeadas e inspeccionadas. Con la serie de estructuras geométricas hechas de espejo el visitante experimenta e interactúa con la tridimensionalidad jugando y retando las desproporcionadas dimensiones del espacio y forma que resultan del efecto óptico que éstas provocan.

Sin embargo, lo más ingenioso e inédito de la exposición son las nuevas obras en las que el artista ha introducido nuevos materiales con diferentes propósitos. La intensidad visual de la cera mezclada con un aceite de color rojo sangre e impregnada a lo largo de 5 salas expositivas donde se ha colocado una plataforma y un muro móvil que se desplaza lentamente arrastrando masas de cera es fuertísima. Podemos observar las huellas que el artista ha dejado, sus manos han estado amasando y trabajando el material para colocarlo en cada dintel.

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Sin duda alguna se puede decir que Londres ha sido y sigue siendo una de las ciudades más completas, ricas, activas y punteras del mundo del arte. Pero especialmente Londres se caracteriza por tener una de las reentrée más destacables de todas; después de un verano tranquilo y un septiembre calentando motores, un octubre en el que la capital inglesa se convierte en el punto de mira internacional reuniendo a miles de personas involucradas en la escena artística y cultural. Es increíble la intensidad y concentración de fechas cuando tantas galerías celebran sus inauguraciones en el mes de Octubre y de hecho pueden contarse hasta un centenar en toda la ciudad, aproximadamente unos 25 openings a la semana.

Durante estos días la atmósfera londinense se transforma en un estado festivo donde diferentes personalidades tratan de encontrarse, negociar y socializarse en cada evento VIP mientras el champagne se sirve como el agua. Todo ello viene inducido y estimulado por la feria anual de arte contemporáneo ya no tan jovencita pero si tremendamente exitosa llamada Frieze que cumple este año su 7ª edición y que reúne algunas de las más prestigiosas galerías del mundo entero. Desde que Frieze nació se ha generado en Londres un sentimiento de orgullo y fomento del arte contemporáneo inexistente anteriormente ya que las únicas ferias que se celebraban eran las de antigüedades como Grosvenor Art & Antiques o Olympia Fine Art Fair.

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El pasado mes de Septiembre se re-inauguró la colección de cerámica del museo Victoria & Albert de Londres tras cinco largos años de reforma y actualización. Esta colección de cerámica es la más comprehensiva del mundo y reúne 26.000 piezas, 3.000 expuestas al público, que repasan de manera extraordinariamente pedagógica e ilustrativa la historia de la cerámica desde las primeras producciones chinas en el año 3.500 AC hasta las obras contemporáneas de nuestros días.
La cerámica ha estado siempre presente en nuestras vidas y es maravillosa no solo porque pone de relieve la habilidad que siempre ha tenido el hombre para crear con sus propias manos sino también las necesidades prácticas y avances técnicos así como los gustos y preferencias que cada pueblo y civilización ha tenido a lo largo de la historia.

Diferentes materiales, colores, métodos, esmaltes, formas, tamaños, usos. De este modo, la cerámica se convierte en el reflejo más inmediato de lo que nuestros antepasados han creado siendo hoy en día una de las fuentes de estudio del hombre, sus formas de vida y costumbres más fascinante de todas. La cerámica nos relata historias, explica porqué y para quién fue creada y qué uso debía tener; desde las mismísimas puertas del imperio Persa en Babilonia hasta las ánforas griegas, los cántaros en forma de perrito pre-hispánicos y los vasos farmacéuticos medievales sin olvidar, las porcelanas chinas y los platos de españoles son algunos pocos de la larga lista de ejemplos imposible de enumerar aquí.

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Ludwig Mies van der Rohe
Contribution ‘Wabe’ (honeycomb) to the idea competition for the skyscraper at the Bahnhof Friedrichstrasse, 1922 I Large photograph, supplemented by drawing I 140 x 100 cm I Bauhaus-Archiv

Tras la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918) el arte experimentó cambios y combustiones debidas a la desaparición y emergencia de artistas, estilos, movimientos e ideologías. En la República Alemana de Weimar nació entonces la única y moderna escuela de arte, diseño y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius, la internacionalmente conocida Bauhaus. El proyecto que empujaba a crear una escuela donde se unían estudiantes y profesores de diferentes campos creativos tenía dos objetivos ligados. La necesidad de reformar la instrucción artística, sus técnicas y modos de trabajar tenía, según su fundador, una consecuente transformación social y nuevas formas de convivencia. Básicamente, la Bauhaus trabajaba bajo un espíritu socialista donde el lujo y las comodidades dejaban de estar limitadas a la clase alta, de este modo todo lo que se diseñaba y producía era concebido para el uso y disfrute de la sociedad siendo asequible para todos. La segunda y gran innovación que la Bauhaus estableció fue la romper con la categorización que diferenciaba al artista y del artesano recuperando los métodos tradicionales e inaugurando una nueva trayectoria en el extenso ámbito de las artes decorativas. Los estudiantes aprendían las habilidades para crear en cualquier campo y materiales teniendo como resultado una maravillosa colección de producciones que resaltaban por su ingenio y practicidad.

Existía una libertad total para dar rienda suelta a la imaginación y experimentación quedando plasmado en los modernísimos diseños arquitectónicos y de mobiliario pero también en fotografías, tejidos, pinturas, cerámica, ballets, performances y obras de teatro siendo la mayor contribución internacional al arte y cultura moderna.
Tras 14 años de vida (1919 – 1933) iniciada en Weimar, pasando por Dessau y finalmente en Berlin, la escuela Bauhaus fue clausurada por los nacis quienes consideraban su ideología y diseños arte degenerado indigno de la nación alemana. Entre los profesores y estudiantes que participaron e influyeron en la escuela se encuentran nombres tan conocidos como Paul Klee, Kandinsky, Mies van der Rohe, Mondrian, Theo van Doesburg, Lázlo Moholy-Nagy, Josef Albers, Georg Muche, Schlemmer, y Breuer entre muchos otros. La Bauhaus fue la fundadora del concepto actualmente conocido como hub o promoción de la creatividad sin límite. A pesar de que las circunstancias y espíritu que caracterizaba a la escuela original han cambiado, la Bauhaus reabrió en 1997 y sigue siendo uno de los centros de enseñanza más prestigiosos de arte y diseño.

Los últimos 20 metros que quedan en pie del muro. El museo Walter-Gropius-Bau detrás, donde se celebra la exposición
Actualmente puede visitarse la mayor retrospectiva sin precedentes de las influyentes obras y diseños de la Bauhaus en la Martin-Gropius-Bau de Berlin.

Jeff Koons I Popeye 2003 I Oil on canvas I 274.3 x 213.4 cm I © 2008 Jeff Koons
Las obras del artista norteamericano Jeff Koons (1955) valoradas en el mercado del arte por miles de millones de dólares han sido expuestas hasta el pasado 13 de Septiembre en la Serpentine Gallery de Londres. En esta ocasión se expuso una retrospectiva de la serie Popeye iniciada en 2002 y que tiene como fundamento explorar las nociones de consumo, gusto, banalidad, infancia y sexualidad que caracterizan tanto a la sociedad actual como la línea artística de Koons. De hecho, él es propiamente un producto de la publicidad y consumo quien saltó a la fama por retratarse con su primera esposa Chicholina en poses puramente pornográficas.

Jeff Koons I Acrobat 2003–09 I Polychromed aluminium, galvanised steel, wood and straw I 228.9 x 148 x 64.8 cm I Bill Bell Collection I © 2009 Jeff Koons
El interior de esta pequeña galería de aspecto casita de té Neoclásica situada en el parque de Kensington Gardens fue convertido en un lugar de fantasía y reminiscencia creado por la yuxtaposición de objetos tan familiares para todos como colchonetas de piscina hinchables en forma de delfín y langosta, que han sido unidas con escaleras, atravesadas por pilas de sillas de plástico típicas de los chiringuitos de playa y objetos cotidianos variopintos como juegos de instrumentos de cocina. A su vez, las pinturas recuperan a héroes como Popeye nacido durante la Gran Depresión en 1929 y que este año cumple 80 años o el mismo Superman que Warhol utilizó en 1960 ahora rodeado por personajes como Olivia Oyl - el amor de Popeye - , bigotes pintados y recortes de fotos de mujeres extraídas de revistas de adultos. A primera vista, todo parece ser un collage o instalación ready made de objetos comprados y sin embargo, existe detrás un laborioso trabajo técnico. Cada colchoneta esta recreada a la perfección procurando un intenso efecto de trompe l´oil ya que no son hinchables de plástico sino de aluminio quedando su peso oculto. Según el artista, “el arte se encuentra en el espectador y no en el objeto” y por ello, el espectador debe sentirse seguro de sus experiencias personales y del modo en que mira el arte. Por esa razón, Koons utiliza imágenes arquetípicamente populares con las que todos pueden identificarse.

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